Aix '11 - IV - O Nariz (fotos)

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Aix '11 - III - O Nariz

«Bonheur au sortir de la première du Nez, de Dmitri Chostakovitch, vendredi 8 juillet, au Grand Théâtre de Provence : on tient enfin le spectacle phare de ce Festival d'Aix-en-Provence. Rien à jeter. Le plateau vocal (russe) est formidable, les choeurs de l'Opéra de Lyon (rompus au répertoire russe), remarquables. La direction musicale de Kazushi Ono, brillante, vive et sensuelle, donne aux quarante virtuoses de son Orchestre de l'Opéra de Lyon un panache et une verve enthousiasmants. Quant à la mise en scène du Sud-africain William Kentridge, elle est simplement étourdissante. Au point qu'on se demande s'il convient encore de parler de "mise en scène" quand le propos balaie tous les champs visuels avec autant de virtuosité.

Il est vrai que Kentridge, né en 1955, est d'abord une star des arts plastiques : les plus grands musées et biennales (Le Jeu de Paume, à Paris, en 2010) ont présenté ses films d'animation, sculptures, dessins, collages, qui se jouent des illusions d'optique et enchantent l'oeil. A Aix, sa mise en scène est drôle, cocasse, poétique, émouvante, dotée d'une forte puissance évocatoire et d'un sens aigu de la miniature. Elle s'inscrit et s'écrit dans l'espace à la manière d'une partition graphique, que Kentridge paraphe d'une ludique révérence : des ombres d'objets sculptés et tournoyants, projetés sur le rideau de scène dès l'ouverture, arrêtent soudain leur ronde signalétique. On aperçoit alors le visage de Chostakovitch (1906-1975).

Le mérite principal de Kentridge et de son équipe (scénographie, costumes, lumière, vidéo) est de donner une portée contemporaine à la terrible nouvelle inventée par Nicolaï Gogol dans les Récits de Pétersbourg, une histoire sans queue ni tête, et même sans nez, celui que l'assesseur de collège, Platon Kouzmitch Kovalev, a perdu et qu'il devra chercher par toute la ville, perdant du même coup la face.

Nous ne sommes pas dans une satire féroce de l'époque de Nicolas Ier ou dans la dénonciation d'une société égoïste et cruelle. Non plus que dans l'évocation des doutes qui taraudaient Chostakovitch à la fin des années 1920 quant à son destin de créateur.

Folie avant-gardiste Nous sommes dans une réminiscence sensible de la folie avant-gardiste qui illustra, entre 1926 et 1928, à travers l'ouverture postrévolutionnaire en URSS, la recherche du neuf et de l'inédit. D'une vie autre. Ce mouvement, Kentridge le rend au moyen de collages de journaux, d'images d'archives (films), de montages picturaux évoquant le constructivisme de Rodtchenko, Tatline ou El Lissitsky, en donnant une vie à Monsieur Nez, sorti tout droit des dessins, tapisseries, bronzes, gravures, qu'il a créées en travail préparatoire à l'opéra et dont un certain nombre est exposé jusqu'au 3 septembre à l'Atelier de Cézanne et à la Cité du livre d'Aix.

A l'époque du Nez, on joue à Leningrad Richard Strauss, Berg, Krenek, Prokofiev et Schreker. Le jeune Chostakovitch ne jure que par les préceptes iconoclastes de l'homme de théâtre Vsevolod Meyerhold ("Si le spectacle a plu à tous, considère que c'est un échec sans rémission"), théoricien de génie, réalisateur des premières mises en scène constructivistes, avant d'être exécuté en 1940 pour avoir négligé le réalisme socialiste.

Le Nez est une musique de brigand, pétrie de démesure, fantasque, dissonante, provocatrice, écrite par un s'en-va-t-en-guerre de 21 ans bien décidé à en découdre avec l'ordre lyrique établi : sous le choc de la découverte du Wozzeck de Schoenberg donné à Leningrad en 1927 mais aussi du bruitisme de Mossolov, au coeur de cet orchestre débridé qui déploie une machine de guerre armée de vents et de percussions.

"Grenade anarchiste"

Quant au chant, il est dans une veine satirique. Cris, rires, gloussements, onomatopées, la voix est traitée sur tous les modes de la caricature et des tessitures extrêmes, du grave de la caverne à l'égosillement de l'aigu (impayable duo de l'assesseur sans nez et de l'inspecteur de police, interprétés par Vladimir Samsonov et Andreï Popov).

Traité de "grenade anarchiste" avant d'être laminée par les censeurs pro-staliniens, Le Nez fut retiré de l'affiche après seize représentations au Théâtre Maly de Leningrad, en 1930. Il sera interdit quarante ans avant de connaître une renaissance triomphale à Moscou en 1974. Celle-là même que nous venons de vivre à Aix-en-Provence.»

Considerado a glória suprema da edição de 2011 do Festival de Aix, O Nariz - ao que indicam as fotos (presentes no post que se segue) - afirmou-se pelo brilho do trabalho plástico de Kentdrige.

Aix '11 - II - A Clemência de Tito

«Est-il utile de rappeler que ce berliozien de carrière est aussi un mozartien de la première heure ? Les succès de ses débuts à l'orée des années 1960 : Don Giovanni au Royal Festival Hall à la place d'Otto Klemperer, souffrant, et La Flûte enchantée, à Glyndebourne, où il remplace Thomas Beecham.

Couleurs, phrasés, équilibre, l'écriture de Mozart se déploie avec une ronde équanimité qui n'empêche pas les élans dynamiques. Tout au plus eût-on souhaité une clarinette plus sensuelle dans les deux airs avec clarinette obligée - l'air de Sesto Parto, parto, ma tu ben mio à l'acte I et le rondo de Vitellia Non più di fiori à l'acte II - que Mozart composa en 1791, juste avant le Concerto pour clarinette en la majeur K 622, écrit pour son frère de loge et ami le virtuose Anton Stadler.

Jeune et fraîche, la distribution ne manque ni d'abattage et de talent : le Sextus sensible et tragique de Sarah Connolly, la ferveur sensuelle d'Anna Stephany en Annius. Face à la puissance vocale de l'impérieuse Carmen Giannattasio (Vitellia), la Servilia d'Amel Brahim-Djelloul paraît, comme toujours, la grâce incarnée. Quant au Titus de Gregory Kunde (arrivé la semaine précédente pour pallier la défection de John Mark Ainsley), il incarne avec justesse la noble et généreuse figure de l'empereur. Les choeurs, très nombreux dans cette partition d'opera seria, sont ici idéalement défendus par l'Estonian Philharmonic Chamber Choir.

Dommage que la mise en scène de l'Ecossais David McVicar, qui nous a accoutumés à un travail plus fouillé et personnel, soit ici du genre minimum syndical. Des décors monumentaux, un dressing en noir et blanc (ne seraient la pourpre impériale et la blancheur virginale), et surtout une direction d'acteurs d'un conventionnel éculé. Seule note impertinente, la garde rapprochée de l'empereur, un corps de ballet du genre Ninja hystériques, courant, virevoltant, montant et descendant des escaliers, beaux, musclés et sensuels, laissant deviner pourquoi l'empereur n'a pas plus que cela retenu Bérénice et met assez peu d'empressement à trouver une épouse pour partager sa couche et sa couronne.»

Bem vistas as coisas, além do desejável equilíbrio clássico que a lírica mozarteana demanda - e que Colin Davis fez por impor, conseguindo-o -, o dedo do encenador (segundo a repórter) levanta a lebre, quanto à orientação sexual do imperador... Será tema de acesa polémica, também por estas bandas?!

Aix '11 - I

Na edição do presente ano, Aix confirmou as suas raízes mozarteanas (A Clemência de Tito), revelando espaço e tolerância para expressões líricas mais próximas do contemporâneo... já longínquo (O Nariz). De permeio, A Transviada de Dessay soube a pouco...

Aix - I, II & III

O Festival d'Aix prossegue as suas apresentações, entre alguns apupos e aclamações...

O Don Giovanni de Tcherniakov não parece ter levado a melhor, tanto mais que os intérpretes revelaram grandes vulnerabilidades:

«Voilà un spectacle d'où l'on ressort la tête pleine de questions:c'est bon signe! Le public leur a visiblement apporté des réponses contrastées, à en juger par la bataille de huées et de bravos qui a accueilli le metteur en scène Dmitri Tcherniakov au rideau:deux camps impossibles à départager. Question de fond, d'abord:jusqu'où peut aller l'interprète avec la lettre du texte? Tcherniakov a besoin d'un angle d'attaque pour aborder une œuvre, quitte à faire entrer celle-ci dans son concept avec un chausse-pied. Mais il est aussi un génie du théâtre, qui tire le maximum de vérité d'une situation dramatique. On oscillera tout au long de la soirée entre ces deux pôles:agacement et fascination.

Rebond et chaleur

Tcherniakov redistribue les cartes:voici un lieu unique, riche demeure bourgeoise contemporaine, avec ses bibliothèques en acajou et sa table de réception. Tous les personnages font partie de cette famille : Leporello en est parent et non domestique, Zerline, fille d'Elvire et non paysanne… Seul étranger:Don Giovanni, blafard, écrasé de tristesse, suicidaire. Décidé à semer la zizanie dans cette famille exemplaire, il la désintègre mais, au lieu d'en retirer une satisfaction sadique, il s'enfonce encore plus dans sa folie autodestructrice. Dans ce contexte de manipulation psychologique, plus besoin de quiproquo:tout le monde sait qui est qui. Plus besoin de métaphysique non plus:dans ce monde sans dieu, la scène de la statue est une mascarade.

Les défauts? Le rythme, brisé par ces baissers de rideau et ces indications de temps («Une semaine plus tard…»), qui coupent la fulgurance de cette action de vingt-quatre heures. Le traitement systématique des femmes, réduites à des hystériques. La force? Les rapports entre les personnages, mis en lumière avec une puissance et une minutie qui font de Tcherniakov l'un des plus grands directeurs d'acteurs de notre époque.

Le rythme était dans la direction de Louis Langrée, sanguine et équilibrée, naturelle dans l'enchaînement des tempi, toujours relancée. On n'a jamais entendu la fosse de l'Archevêché sonner aussi bien:les instruments de l'Orchestre baroque de Fribourg, exemplaires de rebond et de chaleur, résonnent là où on les croyait condamnés à être étouffés. Si la distribution féminine (Marlis Petersen, Kristina Opolais, Kerstin Avemo) n'est pas irréprochable, avec des voix un peu droites, manquant de legato, si le ténor Colin Balzer affiche des limites malgré une belle musicalité, les voix graves s'imposent:le Leporello de Kyle Ketelsen pour la richesse et la beauté de sa voix, le Commandeur d'Anatoli Kotcherga pour son charisme faramineux, Masetto qui n'est plus un second rôle avec David Bizic. Et, bien sûr, le stupéfiant Don Giovanni de Bo Skovhus, qui se sert des restes d'une voix élimée, avec une intelligence et une présence qui abolissent les frontières entre le chanteur et l'acteur.»

Já no tocante a Alceste (Gluck), a prestação da ultra-lírica Véronique Gens parece ter constituído a glória suma da récita:

«Fidèle à la ligne qu'il avait fixée à la Monnaie de Bruxelles, Bernard Foccroulle recrute à Aix des metteurs en scène d'esthétiques différentes, mais ancrés dans la modernité. Après le Russe Dmitri Tcherniakov dans Don Giovanni, voici l'Allemand Christoph Loy dans l'Alceste de Gluck. Encore une production remarquable, plus huée que la précédente alors qu'elle prend moins de libertés. Car si le génial Tcherniakov est de ceux qui n'hésitent pas à raconter une autre histoire, le solide Loy se contente de la transposer dans un univers symbolique.

La mythologie grecque est relue à travers le monde de l'enfance : le peuple de Thessalie, si immature dans sa dépendance vis-à-vis du couple royal, est montré de façon convaincante comme une salle de classe d'autrefois, avec culottes courtes, socquettes blanches et nœuds dans les cheveux. Leurs offrandes à la divinité? Une poupée ou une maquette de bateau, dans une société christianisée où le grand prêtre d'Apollon est un pasteur protestant. Les choristes (excellents English Voices) ont parfaitement assimilé le travail d'un metteur en scène qui individualise la masse avec virtuosité, campant ces gamins désemparés avec une grande science des attitudes. Cette distance ironique serait réductrice si, au milieu de ces Grecs égoïstes et trouillards, les personnages d'Alceste et Admète ne se détachaient avec la noblesse et la grandeur d'âme de vrais héros tragiques.

Véronique Gens donne une leçon de chant et de style dans l'écrasant rôle-titre : ne maltraitant ni sa voix ni la ligne, forte de sa diction exemplaire et rompue à la discipline classique, elle sait être humaine sans jamais oublier qu'elle est une reine. Une incarnation accomplie, tout comme celle du ténor Joseph Kaiser, décidément l'une des plus belles voix du moment, dans un français impeccable. Gluck est bien servi, grâce aussi à la direction d'Ivor Bolton, animée sans être trépidante, trouvant le juste équilibre entre héritage baroque et style classique, avec un Orchestre baroque de Fribourg qui se confirme, le lendemain de Don Giovanni, comme un des ensembles d'instruments anciens les plus virtuoses.»

Termino com uma referência a O Rouxinol (Stravinsky), porventura a mais consensual das produções - encenada por Robert Lepage -, amplamente aclamada:

«Le plumage aixois du Rossignol, d'Igor Stravinsky, mis en scène par Robert Lepage, allait-il tenir les promesses du ramage médiatique venu de la Compagnie canadienne Opéra de Toronto, où le spectacle, présenté en octobre 2009, avait été primé - "poésie et magie" sur l'eau en allées ?

Une réponse en forme de standing ovation de la part du public du Festival d'art lyrique d'Aix-en-Provence a salué la première, le samedi 3 juillet, au Grand Théâtre de Provence : depuis le temps qu'on n'avait pas reçu pareil don d'enfance.

Robert Lepage est un maître conteur disciple d'Andersen. Andersen, dont Le Rossignol et l'empereur de Chine inspire précisément ce conte lyrique créé à l'Opéra de Paris en 1914 et composé dans la tradition des chinoiseries qu'affectionnait l'Europe.

Le metteur en scène québécois a convoqué la tradition vietnamienne de la marionnette d'eau (le mua roi nuoc) et du bunraku japonais pour raconter cette fable sur le pouvoir absolu de l'art - un oiseau au chant extraordinaire, favori à la cour de l'empereur de Chine, se voit remplacer par un vulgaire oiseau mécanique offert par l'empereur du Japon : le souverain en tombera malade et ne sera sauvé que par le retour de l'oiseau.

L'esprit des traditions

Le scénographe Carl Fillion a remplacé la fosse d'orchestre par un grand bassin et a installé l'orchestre plus loin. Sur l'eau passent jonques de l'aube aux lanternes allumées et joyeux petits dragons musant. Dans ces eaux noires se cachent aussi les plis reptiliens de la mort, peuplés de silhouettes chtoniennes.

Richement costumés, à l'instar des marionnettes Michael Curry, les chanteurs glissent dans une eau à 20 degrés (sous leurs costumes, ils portent des combinaisons de plongée) menant devant eux leur double de bois et d'étoffes. Seul reste les pattes au sec l'oiseau fabuleux sur les hautes rives de chaque côté du pro-scenium.

C'est d'une simplicité lumineuse et ensorcelante. Comme la très moussorgskienne Chanson du pêcheur par l'émouvant Edgaras Montevidas ou les mélopées entêtantes du Rossignol interprétées par la voix ronde et fraîche de la jeune et talentueuse Russe Olga Peretyatko. Les Choeurs et Orchestre de l'Opéra national de Lyon (qui accueillera ce Rossignol qu'il a coproduit du 12 au 21 octobre) ont fait preuve d'un grand raffinement sous la direction de leur chef, Kazuchi Ono.

En première partie du bestiaire stravinskien, Renard, lui-même précédé de quelques fables animalières. Cette fois, l'esprit des traditions chinoises et africaines. Derrière un écran mat, chat, coq et renard inventent une chorégraphie d'acrobates, de marionnettistes et d'ombres, tandis que s'égosillent les quatre acteurs-chanteurs de cette "histoire burlesque contée et jouée". Entre Aix et Robert Lepage, c'est indéniable, une histoire d'amour est née.»

Aix 0

Em antevisão, eis levantada a ponta do véu do Festival d'Aix, cuja grande atracção parece ser Don Giovanni, dirigido por Langrée e encenado por Tcherniakov:

«Bernard Foccroulle l'a toujours dit : la qualité passera avant la quantité. Avant la crise, il parlait de six productions, il n'y en aura que cinq, mais elles misent sur l'excellence. Le Don Giovanni mis en scène par le passionnant Dmitri Tcherniakov et dirigé par Louis Langrée, l'un des meilleurs mozartiens de notre époque, est d'autant plus attendu qu'il n'y avait pas eu de nouvelle production du chef-d'œuvre de Mozart depuis Peter Brook en 1998.

Époque classique encore avec l'Alceste de Gluck où devrait rayonner Véronique Gens, notre grande tragédienne. Deux propositions originales pour renouveler l'approche scénique de l'opéra : les marionnettes pour Le Rossignol de Stravinsky, avec les ombres chinoises de Robert Lepage, et la chorégraphie avec le Pygmalion de Rameau où les chanteurs de William Christie se mêleront aux danseurs de Trisha Brown. Création, enfin, avec El Regreso d'Oscar Strasnoy, commande du festival. Sans oublier les concerts des jeunes de l'Académie et ceux du London Symphony Orchestra, en résidence à Aix-en-Provence avec sir Colin Davis.»