sexta-feira, 30 de julho de 2010

OperaManager: Opera Libretto

Para quem, como eu, desespera à procura de libretos, eis um óptimo site, com as versões originais dos ditos!

quinta-feira, 29 de julho de 2010

Bayreuth II - O Lohengrin de Neuenfels


A nova produção de Lohengrin, de Neuenfels, parece conter inúmeros pontos de interesse, a começar pela simbologia rica e expressiva:

«À force de voir en Hans Neuenfels l'enfant terrible de la scène allemande depuis plus de trente ans, on a fini par ne voir en lui qu'un dynamiteur de pièces qui choque le bourgeois par ses provocations gratuites. C'est oublier qu'il est un très grand homme de théâtre, qu'il ne fait rien sans raison. Dimanche, lorsqu'il est venu saluer, seul, à la fin de la première de Lohengrin qui marquait ses débuts tardifs à Bayreuth, deux camps se sont nettement opposés:ceux qui, ayant l'impression qu'on avait mis des moustaches à la Joconde, ont hué violemment le metteur en scène, et ceux qui, ayant reconnu la force et (mais oui!) l'étonnante cohérence de cette production, ont crié «Hourra !».

Hans Neuenfels installe son Lohengrin dans un bloc blanc aseptisé (formidable décor de Reinhard von der Thannen). Les soldats brabançons? Des rats noirs géants. Leurs femmes? Des souris blanches. Sans aucun réalisme:stylisés comme des êtres hybrides, plus tout à fait animaux, pas encore humains. Toute l'intrigue est vue comme une expérience faite sur des créatures de laboratoires:Wagner n'est-il pas, après Shakespeare, celui qui a le mieux disséqué les comportements des hommes, presque en clinicien? La lumière (fabuleux éclairages de Franck Evin) est d'une clarté fulgurante, au point que, au deuxième acte, on voit même le chef d'orchestre, en reflet dans une paroi de verre:c'est la première fois sans doute dans l'histoire du Festival de Bayreuth, dont la fosse couverte cache les musiciens.

On rit souvent, désamorçage salutaire d'une tension palpable. Car Neuenfels ne ridiculise pas les personnages, il prend au sérieux le cercle vicieux dans lequel ils se débattent. Et pour quelques clins d'œil un peu potaches, combien d'images fortes comme Lohengrin brandissant la croix à la fin du deuxième acte, ou seul sur le plateau dépouillé, surmonté d'un point d'interrogation, à la fin du troisième. Tout est signifiant:les gestes, les couleurs (belle symphonie de noir et de blanc), et l'on s'éloigne finalement très peu de la lettre de l'intrigue. Même le cygne est là, et bien là, décliné sous des formes innombrables, jusqu'à cette troublante image finale d'un œuf donnant naissance à un fœtus humain coupant son cordon, sans que l'on puisse dire avec certitude qu'il annonce une fin heureuse à cet opéra si tragique.»

«Neuenfels es un hombre de teatro muy experimentado y cuenta con un equipo de primera línea del que son parte fundamental el escenógrafo y figurinista Reinhard von der Thannen y el dramaturgo Henry Arnold. Las imágenes plásticas con las que cuenta la ópera son muy impactantes y el sentido teatral, impecable. Vaya por delante este reconocimiento a la profesionalidad teatral. El primer paso de Neuenfels y los suyos consiste en transformar la leyenda en un cuento lleno de alegorías y salpicado con un sentido del humor muy incisivo. La evolución de la especie humana está presente en los juegos narrativos y así el coro puede ser, en momentos, de ratas, bien como una ironía burlona en el tratamiento de la boda, bien como un reflejo del miedo y la inseguridad al que responden muchos colectivos de nuestro tiempo. Nada en cualquier caso es gratuito. La componente analítica deriva en una terapia.

Las utopías se muestran irrealizables pero hay al menos un mensaje de esperanza en la ópera que el propio Wagner consideraba la más triste de las suyas. Es un montaje que desde su apariencia a veces kitsch invita a pensar sobre la condición humana y sus enigmas. No es un cuento de hadas, desde luego, pero sí es un cuento ideológico o, si se prefiere, filosófico. Muy alemán, con una componente fantástica muy original y con un casi inverosímil sentido del humor.»






E quanto a intérpretes, previsivelmente, o colossal Kaufmann levou a melhor, triunfando num papel que, doravante, É SEU! A seu lado, também o promissor jovem maestro Andris Nelsons suscitou aclamações.

«El triunfador de la noche fue el tenor Jonas Kaufmann. Su actuación fue de principio a fin soberbia, con un fraseo admirable y un fabuloso dominio de las medias voces. Extraordinario asimismo Georg Zeppenfeld como el Rey, correcta Annette Dasch como Elsa y un poco justa de expresión dramática Evelyn Herlitzius como Ortrud. Magnífico el trabajo al frente de la orquesta de Andris Nelson, un director que está lanzado. Las enseñanzas de Mariss Jansons y su trabajo al frente de la Ópera de Letonia y de la orquesta de Birmingham han dado sus frutos. Una vez más estuvo sensacional el Coro de Bayreuth preparado por Eberhard Friedrich. En expresión, en matices y en línea de canto.»


«Plus jeune chef de l'histoire de Bayreuth, Andris Nelsons nous a, une fois de plus, estomaqué. À 31 ans, le chef letton réalise des prodiges de vigueur dramatique et de finesse poétique, faisant sonner les cordes de l'Orchestre du Festival avec une transparence rare. Une impressionnante présence physique et un incroyable sens des atmosphères font de lui une baguette hors norme. Hors norme aussi, Jonas Kaufmann et son Lohengrin d'anthologie:ténébreux et solitaire, il est d'une présence absolue. Les couleurs de cuivre patiné qu'emprunte son timbre voilé dans la demi-teinte sont magiques. À côté de cette lumière noire, les autres palissent quelque peu, notamment l'Elsa mièvre et trop légère d'Annette Dasch, à l'intonation paresseuse. Ortrud saisissante mais trop criarde d'Evelyn Herlitzius, Telramund râpeux de Hans Joachim Ketelsen. Le Chœur est tout simplement le plus beau du monde. Cela devient presque lassant de le répéter chaque année! Une première passionnante, en présence d'Angela Merkel, mélomane qui était fidèle à Bayreuth bien avant d'être chancelière, mais aussi de Roselyne Bachelot et Renaud Donnedieu de Vabre.»

Bayreuth I - As Manas Unidas...




Armado em visionário, neste mesmo espaço, amiúde, decretei que a união das manas Wagner estava condenada! A dita união, ensombrada pelo espírito da distorção, pessimismo e destruição de Der Ring, levou-me a vaticinar a tragédia... Pela boca morre o peixe...

So far, há que reconhecer a mestria da fusion:

Duas novas produções, sendo uma delas une sorte de versão infantil?!

«Capítulo aparte merece la ópera para niños, una idea de Katharina Wagner puesta en marcha gracias a una adaptación de Alexander Busche. Obviamente se adaptan las situaciones escénicas a las inquietudes de los más jóvenes pero todo ello con un gran respeto a la música original. Aunque se invita a los asistentes a la participación en alguna escena, los niños no se desmelenan en ningún momento y siguen con un interés casi religioso su particular Tannhäuser, con Elisabeth en bicicleta y Venus de punki con sus arañas que meten miedo. La dirección musical es de Hartmut Keil al frente de una orquesta de Fráncfort, y la escénica de Reyna Bruns.


terça-feira, 27 de julho de 2010

I Traviati - III, a derradeira apreciação


(Patrizia Ciofi)

Depois do que aqui foi dito, a respeito desta La Traviata, pouco haverá a acrescentar.

A glória da interpretação assenta, repito, na superlativa encenação de Carsen – que sublinha a conflitualidade Giorgio vs Alfredo (pela posse de Violetta), enfatizando a dimensão materialista, efémera e crua de uma trama, o mor das vezes, excessivamente romanceada –, bem como na prestação de Hvorostovsky.

Saccà cumpre, como Alfredo. A sua performance reitera a impossibilidade de ombrear com o rival: a figura é mais fraca, o timbre algo caricatural e a prestação cénica, pouco acima da mediania. Este Alfredo é um pobre neurótico – psicanaliticamente falando -, castrado e incapaz de afrontar a soberania paterna.

Quanto a Ciofi...

Patrizia Ciofi é uma actriz extraordinária, com provas dadas (o que dizer da sua Marie?!). No drama de Violetta, Ciofi leva a melhor, sublinhando a conflitualidade da sua personagem, ora mais puta (perversa), ora mais ambivalente (neurótica: ossia, balanceando entre o amor por Alfredo ou por Giorgio...). Vocalmente, há evidentes problemas de afinação, particularmente no acto I, cuja coloratura é assassina e implacável. Mais à vontade, nos derradeiros actos, a voz alia-se ao teatro, o seu forte.

Mazzel dirige uma orquestra mediana, morna e arrastada em excesso, com deslizes discretos.

Esta La Traviata reveste-se de algum interesse musical adicional, na medida em corresponde à versão original, estreada, justamente, no La Fenice, a 6 de Março de 1853. Os números desconhecidos do grande público não são assim tão negligenciáveis...

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* * * * *

(3,5/5)

domingo, 25 de julho de 2010

I Traviati - II, ossia Il Traviato


(Dmitri Hvorostovsky)

À semelhança de Tosca e Otello – para não me debruçar (ainda) sobre Eugene Onegin –, La Traviata é, também, susceptível de uma leitura psicanalítica, capaz de aclarar alguns pontos, merecedores de uma compreensão alternativa.

Dir-me-ão os mais cépticos – porventura, avessos a interpretações que dissolvam o peso do reprimido, psicanaliticamente falando – não ser legítimo ler o que o libretista / compositor não criou.

Ora, desde Freud, sabemos existir, em toda a produção humana, um conflito, conflito esse instalado na expressão autêntica: entre o que se diz e o que se pretende / deseja dizer / fazer, reina uma distancia imensa.

No tocante à ópera, claro está que, manifestamente, Floria ama Mario, Iago pretende destruir Otello e Violetta deseja Alfredo. Porém, como temos vindo a constatar – não sem um coro de resistentes (que está no seu pleno direito!) -, sob as aparências, escondem-se outras intenções e movimentações inconscientes.

Vem esta prosa a propósito da La Traviata que reabriu o La Fenice, em 2004, com Ciofi, Saccà e Hvorostovsky, nos papeis titulares. A encenação de Robert Carsen constitui, para mim, um dos maiores pontos de interesse desta produção.

Carsen revela uma profunda intuição psicanalítica, explicitando o conflito triangular que une Violetta, Alfredo e Giorgio.

O (grande) encenador opta por uma desconstrução da habitual imagem romântica de Violetta. A Senhora Valéry é uma puta de luxo, a que os senhores de oitocentos apelidaram cortesã (Dumas Filho, incluso). Carsen constrói a sua concepção de La Traviata numa linha que privilegia luxúria e materialismo. Há plumas, lantejoulas, ambientes a meia luz, dinheiro e lingerie provocadora a rodos, para gostos mais atrevidos! Coralistas boazudas e bailarinos abichanados, coiros e bolas de espelhos completam o ambiente dissoluto.

Aos olhos de Carsen, Violetta é – acima de tudo – uma meretriz de luxo, cuja conduta se rege pelo vil metal. Pontualmente, a rapariga cede ao coração, ma non troppo...

A Violetta de Robert Carsen será, pois, uma criatura da linha perversa, pouco dada a culpabilidades e arrependimentos românticos (e neuróticos).

A meu ver, a maior ousadia do metteur-en-scène decorre, justamente, do vínculo libidinoso que une Giorgio e a protagonista. Por artes do inconsciente, esta produção escolhe um Giorgio de óptima figura, timbre divino e articulação esplêndida. Dmitri Hvorostovsky, no auge da sua soberania lírica, compõe um Senhor Germont impressionante. Sob uma aparente rigidez, Giorgio abeira-se de Violetta, paulatinamente, insinuando-se, com um atrevimento diplomático...

Nos antípodas de Hvorostovsky, deparamos com um Saccà atontalhado, de timbre algo circense e caricatural.

Pergunto, à fiel leitora - e, por que não, ao fiel leitor -, que Violetta preteriria Giorgio, em favor de Alfredo, neste quadro?!

Ora, Carsen sublinha a trama triangular – um claro desdobramento do conflito edipianino -, em que o pai rivaliza com o filho, procurando conquistar o vértice feminino / materno do complexo triângulo.

A fraca figura e desempenho deste Alfredo são tributárias da ansiedade de castração: evidenciam uma criatura algo trôpega, incapaz de assumir uma disputa com o progenitor. No limite, o pobre Alfredo sai perdedor da luta! É por força da decisão paterna – a anuência do pai – que o pobre menino Germont se (re)abeira da, então, moribunda Valéry.

Posto isto, estou em crer que o móbil do gesto de Giorgio – suplicando que Violetta se afaste do desafortunado filho, pelas nobres razões, que todos conhecemos – decorre do seu desejo pela dita dama. O rival Alfredo é, por esta via sinuosa, liminarmente afastado...

I Traviati...



... son qui!

Em breve, explico por quê!


sábado, 24 de julho de 2010

sábado, 17 de julho de 2010

Habemus Sachs!!!

(Die Meistersinger von Nürnberg - Welsh National Opera)


Interpretar Hans Sachs, o Sábio (Die Meistersinger von Nürnberg), requer maturidade e humanismo, indubitavelmente. Será uma das maiores aspirações – e legítimas! – de um grande barítono wagneriano.

A partir dos 40 anos, creio estarem reunidas as indispensáveis condições para uma recriação sólida, à altura da concepção do génio de Wagner.

Para os espíritos mais tacanhos, que se lambuzam identificando o criador com o nazismo e demais ideologias miseráveis, não será de mais enfatizar a grandiosidade da figura de Sachs – sublinho -, também originada na mente de Richard Wagner. É certo e sabido que Hans Sachs existiu, na realidade, mas Wagner baseou-se na figura, recriando uma outra, que se perpetuou!

Dito isto, além dos deuses pervertidos e irmãos incestuosos, Wagner foi, também, autor de figuras maiores e grandiosas.

Pergunto: haverá, no panorama lírico, meia-dúzia de figuras que ladeiem Hans Sachs?

Evidentemente, Terfel será o maior e mais eloquente Sachs da actualidade. Não lhe chegava ser o mais destacado Figaro, Don Giovanni, Wotan, Falstaff, Mefistófeles, Holandês...

Para os que – como eu – veneram o génio e imensidão de Bryn Terfel (um quarentão pleno), eis as críticas à sua estreia no papel protagonista de Os Mestres Cantores de Nuremberga:

«Bryn Terfel sang his first Sachs. It was no disappointment: the central monologues were superbly declaimed, and the man’s suppressed anger at the stupidity surrounding him was as powerfully drawn as his rueful wisdom.»

«Ultimately, though, the production is built around Bryn Terfel, taking on the role of Sachs for the first time, and providing its point of reference. He portrays the cobbler as a significantly younger man than the norm, giving much sharper piquancy to his relationship with Amanda Roocroft's credibly girlish Eva; Terfel's sound was less warm and velvety than we are used to, which suggests he is still coming to terms with the monumental part and that his Sachs has further psychological depths to explore and musical riches to exploit.»

Pacientemente, aguardemos pela ocasião de testemunhar Hans Terfel, live!


ps gentilemnte, o Valquirio enviou-me este excerto! Desde já, os meus agradecimentos ao P.

segunda-feira, 12 de julho de 2010

Maniforme, mas lúcido! A propósito de um embuste!!!




A Cavalleria Rusticana de Strehler, apesar de contar com a melhor Santuzza do mundo, é muito datada e pouco empolgante. DECEPCIONOU-ME!

Pior? Ah, ah! Então não é que Zeffirelli, com a maior desfaçatez que conceber se pode, decide - apenas - retirar a Canção do Salgueiro do seu Otello, limitando a prestação de Desdemona à Ave Maria, no acto IV!!!

Há profecias que se cumprem: Zeffirelli é um energúmeno! Privar Desdemona da citada canção é tão imbecil como impedir a Rainha da Noite de interpretar Der Hölle Rache!

Sem mais comentários.

domingo, 11 de julho de 2010

Dados de relevância...




...para que conste: este blog faz, dentro de quatro dias, 5 1/2 anos; os visitantes já ultrapassaram os 170.000; os "seguidores" aproximam-se dos 70; os que "linkam" este espaço são inúmeros (para não mencionar os que resistem - uns por desinteresse, outros por birra...)!!!

Dito isto, evidentemente, não há sombra de crise, por estas bandas!

Ah... Para que conste, também, nada tenho que ver com o senhor João Galamba que, sendo muito mais mediático que este vosso escriba, bloga há muito menos tempo que Il Dissoluto Punito - na qualidade de blogger, pelo menos (creio).

Ópera e demais interesses mantém-se um espaço plural, estando sob o comando da minha pessoa!

Mais? Neste espaço, não se admitem sinais exteriores de bimbalhice, como anéis no polegar ou pulseiras power balance!

Posto isto: se aprecia lírica, interessa-se por psicanálise, está disposto a aturar os meus devaneios, venera a mistura Cadbury & Vigor, gosta do Met, necessita de assistência médica, sempre que dá de caras com a fabulosa Angeline Jolie, aprecia trejeitos burgueses - como manter postos os óculos de sol, enquanto se pavoneia no El Corte Inglés -, não suporta ver tratar as descendências por "voci", é indiferente à "CompôÔrta", viaja invariavelmente em classe económica, adora canetas de tinta permanente (das que custam um olhooooooo), sente urticária quando se recorda de ter apoiado - por mais de 20 anos, pasme-se!!! - a esquerda chic-ó-betó-fracturante BE (e seus primórdios)...

Esta é a sua casa :)

Aix - I, II & III




O Festival d'Aix prossegue as suas apresentações, entre alguns apupos e aclamações...

O Don Giovanni de Tcherniakov não parece ter levado a melhor, tanto mais que os intérpretes revelaram grandes vulnerabilidades:





Le rythme était dans la direction de Louis Langrée, sanguine et équilibrée, naturelle dans l'enchaînement des tempi, toujours relancée. On n'a jamais entendu la fosse de l'Archevêché sonner aussi bien:les instruments de l'Orchestre baroque de Fribourg, exemplaires de rebond et de chaleur, résonnent là où on les croyait condamnés à être étouffés. Si la distribution féminine (Marlis Petersen, Kristina Opolais, Kerstin Avemo) n'est pas irréprochable, avec des voix un peu droites, manquant de legato, si le ténor Colin Balzer affiche des limites malgré une belle musicalité, les voix graves s'imposent:le Leporello de Kyle Ketelsen pour la richesse et la beauté de sa voix, le Commandeur d'Anatoli Kotcherga pour son charisme faramineux, Masetto qui n'est plus un second rôle avec David Bizic. Et, bien sûr, le stupéfiant Don Giovanni de Bo Skovhus, qui se sert des restes d'une voix élimée, avec une intelligence et une présence qui abolissent les frontières entre le chanteur et l'acteur

Já no tocante a Alceste (Gluck), a prestação da ultra-lírica Véronique Gens parece ter constituído a glória suma da récita:


La mythologie grecque est relue à travers le monde de l'enfance : le peuple de Thessalie, si immature dans sa dépendance vis-à-vis du couple royal, est montré de façon convaincante comme une salle de classe d'autrefois, avec culottes courtes, socquettes blanches et nœuds dans les cheveux. Leurs offrandes à la divinité? Une poupée ou une maquette de bateau, dans une société christianisée où le grand prêtre d'Apollon est un pasteur protestant. Les choristes (excellents English Voices) ont parfaitement assimilé le travail d'un metteur en scène qui individualise la masse avec virtuosité, campant ces gamins désemparés avec une grande science des attitudes. Cette distance ironique serait réductrice si, au milieu de ces Grecs égoïstes et trouillards, les personnages d'Alceste et Admète ne se détachaient avec la noblesse et la grandeur d'âme de vrais héros tragiques.
Termino com uma referência a O Rouxinol (Stravinsky), porventura a mais consensual das produções - encenada por Robert Lepage -, amplamente aclamada:

Disse-me um passarinho...






...que, por ocasião da rentrée, haverá três interessantes artigos!

sábado, 10 de julho de 2010

Cesare Siepi (1923 - 2010) - III


(Siepi, como protagonista de Don Giovanni)

Curiosamente, apenas o The New York Times – de entre os jornais que leio regularmente (vide coluna de Imprensa) - noticia o falecimento de Cesare Siepi!

A que se deverá tal omissão?

Siepi foi uma lenda, pela grandeza teatral e qualidade vocal. Além de tudo, era senhor de uma óptima figura...

Enfim, seja por que razão for, o dito jornal rende-lhe uma justíssima homenagem, que reproduzo: