Iphigénie à New York

Gluck representado por Graham, Groves & Domingo, em Iphigénie en Tauride, no Ministério da Cultura, Sábado, dia 26 de Fevereiro, às 18.00 horas !

A não perder!

Parto para NYC, once again!

Salzburgo I - Gluck, Orfeo & Muti

(Elisabeth Kulman, como Orfeo, em Salzburgo)

Muti-vedeta brilha em Salzburgo, ofuscando tudo e todos: intérpretes, encenador and so on. Eis a crónica do Orfeo ed Euridice, de Gluck, d'après Riccardo Muti:

«Hasta cierto punto supone también una recuperación histórica la ópera Orfeo y Eurídice, de Gluck, que anteayer dirigió magistralmente Riccardo Muti después de más de medio siglo sin representarse en Salzburgo, entonces de la mano de Karajan. Bien es verdad que Gardiner había estado al frente de una versión concertante, con su orquesta y coro habituales, en 1990, pero para la escena, esta ópera estaba prácticamente desaparecida, después de una década como la de los treinta en la que Bruno Walter la había dirigido en 1931, 1932, 1933, 1936 y 1937, bien con la puesta en escena de Karl Heinz Martin o bien con la de Margarete Wallmann. De 1938 a 1944 fueron los años de influencia nazi. Únicamente Krips y Karajan la dirigirían hasta 1959 despues de la muerte de Hitler. Muti ha tomado el relevo.

La ópera de Gluck lleva asociada en la memoria colectiva el aria de Orfeo Che faró senza Eurídice?, que Elisabeth Kulman cantó con sensibilidad. Con el maestro Muti deberíamos señalar algo parecido: "¿Qué haríamos sin Muti?". La verdad es que el director napolitano se ha convertido en la estrella mediática del festival. Figura como el mejor director de orquesta en la encuesta anual de la revista Festspiele, por encima de Abbado y Thielemann; a comienzos del otoño afronta los conciertos inaugurales como director de la Sinfónica de Chicago; dirige el Festival de Pentecostés de Salzburgo, y se va a hacer cargo de la Ópera de Roma. Hace un par de décadas se le veía como el sucesor de Karajan en Salzburgo y en el camino se cruzó Mortier. Ahora los dos son buenos amigos. En la nueva producción de Orfeo y Eurídice, Muti estuvo colosal al frente de la Filarmónica de Viena. Los cantantes se mostraron tan correctos como distantes, el Coro de la Ópera de Viena realizó una prestación admirable y Dietern Dorn presentó una puesta en escena de una cursilería casi ofensiva, con una coreografía de Ramses Sigl tan pretenciosa como inoportuna.

Una parte del espectáculo estaba, en cualquier caso, en la sala. Aunque días antes se había representado la nueva ópera de Wolfgang Rihm, la presencia de Muti y la Filarmónica de Viena confería a la representación de Orfeo y Eurídice el ambiente de "verdadera" inauguración del festival. Era, cómo decirlo, la imagen del imperio de lo efímero, del poder económico, de la necesidad de ostentación en tiempos de crisis.»

Degustai, degustai!!!

Iphigénie en Tauride

Aix - I, II & III

O Festival d'Aix prossegue as suas apresentações, entre alguns apupos e aclamações...

O Don Giovanni de Tcherniakov não parece ter levado a melhor, tanto mais que os intérpretes revelaram grandes vulnerabilidades:

«Voilà un spectacle d'où l'on ressort la tête pleine de questions:c'est bon signe! Le public leur a visiblement apporté des réponses contrastées, à en juger par la bataille de huées et de bravos qui a accueilli le metteur en scène Dmitri Tcherniakov au rideau:deux camps impossibles à départager. Question de fond, d'abord:jusqu'où peut aller l'interprète avec la lettre du texte? Tcherniakov a besoin d'un angle d'attaque pour aborder une œuvre, quitte à faire entrer celle-ci dans son concept avec un chausse-pied. Mais il est aussi un génie du théâtre, qui tire le maximum de vérité d'une situation dramatique. On oscillera tout au long de la soirée entre ces deux pôles:agacement et fascination.

Rebond et chaleur

Tcherniakov redistribue les cartes:voici un lieu unique, riche demeure bourgeoise contemporaine, avec ses bibliothèques en acajou et sa table de réception. Tous les personnages font partie de cette famille : Leporello en est parent et non domestique, Zerline, fille d'Elvire et non paysanne… Seul étranger:Don Giovanni, blafard, écrasé de tristesse, suicidaire. Décidé à semer la zizanie dans cette famille exemplaire, il la désintègre mais, au lieu d'en retirer une satisfaction sadique, il s'enfonce encore plus dans sa folie autodestructrice. Dans ce contexte de manipulation psychologique, plus besoin de quiproquo:tout le monde sait qui est qui. Plus besoin de métaphysique non plus:dans ce monde sans dieu, la scène de la statue est une mascarade.

Les défauts? Le rythme, brisé par ces baissers de rideau et ces indications de temps («Une semaine plus tard…»), qui coupent la fulgurance de cette action de vingt-quatre heures. Le traitement systématique des femmes, réduites à des hystériques. La force? Les rapports entre les personnages, mis en lumière avec une puissance et une minutie qui font de Tcherniakov l'un des plus grands directeurs d'acteurs de notre époque.

Le rythme était dans la direction de Louis Langrée, sanguine et équilibrée, naturelle dans l'enchaînement des tempi, toujours relancée. On n'a jamais entendu la fosse de l'Archevêché sonner aussi bien:les instruments de l'Orchestre baroque de Fribourg, exemplaires de rebond et de chaleur, résonnent là où on les croyait condamnés à être étouffés. Si la distribution féminine (Marlis Petersen, Kristina Opolais, Kerstin Avemo) n'est pas irréprochable, avec des voix un peu droites, manquant de legato, si le ténor Colin Balzer affiche des limites malgré une belle musicalité, les voix graves s'imposent:le Leporello de Kyle Ketelsen pour la richesse et la beauté de sa voix, le Commandeur d'Anatoli Kotcherga pour son charisme faramineux, Masetto qui n'est plus un second rôle avec David Bizic. Et, bien sûr, le stupéfiant Don Giovanni de Bo Skovhus, qui se sert des restes d'une voix élimée, avec une intelligence et une présence qui abolissent les frontières entre le chanteur et l'acteur.»

Já no tocante a Alceste (Gluck), a prestação da ultra-lírica Véronique Gens parece ter constituído a glória suma da récita:

«Fidèle à la ligne qu'il avait fixée à la Monnaie de Bruxelles, Bernard Foccroulle recrute à Aix des metteurs en scène d'esthétiques différentes, mais ancrés dans la modernité. Après le Russe Dmitri Tcherniakov dans Don Giovanni, voici l'Allemand Christoph Loy dans l'Alceste de Gluck. Encore une production remarquable, plus huée que la précédente alors qu'elle prend moins de libertés. Car si le génial Tcherniakov est de ceux qui n'hésitent pas à raconter une autre histoire, le solide Loy se contente de la transposer dans un univers symbolique.

La mythologie grecque est relue à travers le monde de l'enfance : le peuple de Thessalie, si immature dans sa dépendance vis-à-vis du couple royal, est montré de façon convaincante comme une salle de classe d'autrefois, avec culottes courtes, socquettes blanches et nœuds dans les cheveux. Leurs offrandes à la divinité? Une poupée ou une maquette de bateau, dans une société christianisée où le grand prêtre d'Apollon est un pasteur protestant. Les choristes (excellents English Voices) ont parfaitement assimilé le travail d'un metteur en scène qui individualise la masse avec virtuosité, campant ces gamins désemparés avec une grande science des attitudes. Cette distance ironique serait réductrice si, au milieu de ces Grecs égoïstes et trouillards, les personnages d'Alceste et Admète ne se détachaient avec la noblesse et la grandeur d'âme de vrais héros tragiques.

Véronique Gens donne une leçon de chant et de style dans l'écrasant rôle-titre : ne maltraitant ni sa voix ni la ligne, forte de sa diction exemplaire et rompue à la discipline classique, elle sait être humaine sans jamais oublier qu'elle est une reine. Une incarnation accomplie, tout comme celle du ténor Joseph Kaiser, décidément l'une des plus belles voix du moment, dans un français impeccable. Gluck est bien servi, grâce aussi à la direction d'Ivor Bolton, animée sans être trépidante, trouvant le juste équilibre entre héritage baroque et style classique, avec un Orchestre baroque de Fribourg qui se confirme, le lendemain de Don Giovanni, comme un des ensembles d'instruments anciens les plus virtuoses.»

Termino com uma referência a O Rouxinol (Stravinsky), porventura a mais consensual das produções - encenada por Robert Lepage -, amplamente aclamada:

«Le plumage aixois du Rossignol, d'Igor Stravinsky, mis en scène par Robert Lepage, allait-il tenir les promesses du ramage médiatique venu de la Compagnie canadienne Opéra de Toronto, où le spectacle, présenté en octobre 2009, avait été primé - "poésie et magie" sur l'eau en allées ?

Une réponse en forme de standing ovation de la part du public du Festival d'art lyrique d'Aix-en-Provence a salué la première, le samedi 3 juillet, au Grand Théâtre de Provence : depuis le temps qu'on n'avait pas reçu pareil don d'enfance.

Robert Lepage est un maître conteur disciple d'Andersen. Andersen, dont Le Rossignol et l'empereur de Chine inspire précisément ce conte lyrique créé à l'Opéra de Paris en 1914 et composé dans la tradition des chinoiseries qu'affectionnait l'Europe.

Le metteur en scène québécois a convoqué la tradition vietnamienne de la marionnette d'eau (le mua roi nuoc) et du bunraku japonais pour raconter cette fable sur le pouvoir absolu de l'art - un oiseau au chant extraordinaire, favori à la cour de l'empereur de Chine, se voit remplacer par un vulgaire oiseau mécanique offert par l'empereur du Japon : le souverain en tombera malade et ne sera sauvé que par le retour de l'oiseau.

L'esprit des traditions

Le scénographe Carl Fillion a remplacé la fosse d'orchestre par un grand bassin et a installé l'orchestre plus loin. Sur l'eau passent jonques de l'aube aux lanternes allumées et joyeux petits dragons musant. Dans ces eaux noires se cachent aussi les plis reptiliens de la mort, peuplés de silhouettes chtoniennes.

Richement costumés, à l'instar des marionnettes Michael Curry, les chanteurs glissent dans une eau à 20 degrés (sous leurs costumes, ils portent des combinaisons de plongée) menant devant eux leur double de bois et d'étoffes. Seul reste les pattes au sec l'oiseau fabuleux sur les hautes rives de chaque côté du pro-scenium.

C'est d'une simplicité lumineuse et ensorcelante. Comme la très moussorgskienne Chanson du pêcheur par l'émouvant Edgaras Montevidas ou les mélopées entêtantes du Rossignol interprétées par la voix ronde et fraîche de la jeune et talentueuse Russe Olga Peretyatko. Les Choeurs et Orchestre de l'Opéra national de Lyon (qui accueillera ce Rossignol qu'il a coproduit du 12 au 21 octobre) ont fait preuve d'un grand raffinement sous la direction de leur chef, Kazuchi Ono.

En première partie du bestiaire stravinskien, Renard, lui-même précédé de quelques fables animalières. Cette fois, l'esprit des traditions chinoises et africaines. Derrière un écran mat, chat, coq et renard inventent une chorégraphie d'acrobates, de marionnettistes et d'ombres, tandis que s'égosillent les quatre acteurs-chanteurs de cette "histoire burlesque contée et jouée". Entre Aix et Robert Lepage, c'est indéniable, une histoire d'amour est née.»

Em Degustação...

(até há pouco, a ópera de Gluck cingia-se a três ou quatro pilares. Porém, depois de uma animada discussão com o Raul - ossia uma das traves maiores deste blog -, C. W. Gluck assumiu outra relevância, por estas bandas)